viernes, 5 de junio de 2015


               Opinión sobre la época del renacimiento
 
 
Al adentrarse en la época  Renacimiento se puede conocer canciones religiosas que te pueden mover sentimientos  o generar alguna sensación ya que, en la  época medieval todo giraba en torno a dios. En el renacimiento, el hombre pasó a ocupar el centro del universo, a este período  fue denominada humanismo.  Es una época en donde se produce el nacimiento del estado moderno, con monarquías vigorosas que tienden a unificar territorios y a crear grandes entidades políticas, frente al Estado simplista que representaba la Iglesia. En el arte musical, el Renacimiento supuso el nacimiento de una nueva música, diferente de la anterior, y de nuevos estilos y formas musicales, son músicas  maravillosas, de textura polifónica y basada en el contrapunto. A mí me gusta escucharla, me llena de luz y de paz. Las piezas religiosas (la misa o el motete). Además los humanistas vieron en la música un medio de difundir sus ideales de exaltación del hombre. La música iba encaminada a la religión. EL renacimiento musical, fue, como su mismo nombre lo dice, el renacer de la música tras el oscurantismo. Allí inician los períodos más relevantes de la música y en este blog podrán encontrar sus características, instrumentos, algunos autores y para reforzar el conocimiento podrán escuchar sonidos a través de videos dentro del blog.

El motete fue junto la principal forma musical de composición religiosa del Renacimiento, se componía sobre un texto en latín elegido libremente de carácter religioso.
El motete
Ave María de
Josquin Desprez es un ejemplo muy representativo de las técnicas musicales de la época ya que  las diversas culturas que nos han precedido han surgido la idea y la convicción de la existencia de un Ser Supremo, de una Presencia Divina, de un Dios de apoyo, al el escuchar
“Ave María” sientes tranquilidad ya que el sonido va más allá de una religión, de un sueño en el que puedes imaginar, pensar y evadir todo, pues nada importa en esos minutos de sosiego, en donde te ves y te sientes diferente, único, sensible y relajado.
Al oír Ave María, con esos sonidos religiosos registras paz y tranquilidad.   
 
 

jueves, 4 de junio de 2015

                                         LA DANZA RENACENTISTA
 
La danza, durante el periodo del Renacimiento alcanza una gran importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en todas la celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana,  existen otra danza menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes salones. La danza era bailada por todos los nobles que participaban en la celebración (el aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que iban ataviados con sus mejores galas. Los grandes vestidos eran los que impedían cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser siempre muy pausados y elegantes.
 
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la evolución de la música instrumental, ya que buena parte de esa música era dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la invención de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar los primeros libros de coreografías.
 
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:
 
LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con paso saltado. Es una danza en compás ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
 
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el baile y normalmente sólo la bailaban los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los ricos nobles para que todo el mundo presente los admire.
 
 
EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban  e iban oscilando a derecha y a izquierda sin romper el círculo.
  
Tres etapas del renacimiento (XV y XVI)

Primer renacimieto:  comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de esta época. Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema ó motivo repetidamente entre las distintas voces.
 
 Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson.
 
Bajo renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI. Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa.  En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.


                                      GÉNERO PROFANO:

EL MADRIGAL: Composición para varias voces, sin acompañamiento, que intenta traducir las más delicadas inflexiones de un poema

EL VILLANCICO: No solo debe relacionarse con la canción popular que festeja la Navidad sino que también en canciones a una vozcon acompañamiento de vihuela.

LA CHANSON: Piezas vocales de tema amoroso, y también a lasde crítica social y política. Se refiere a cualquier canción con letraen francés.

MÚSICA INSTRUMENTAL:

 EL RICERCARE: El ricercare es un tipo de composición de música instrumental perteneciente al renacimiento tardío.

 LA CANZONA: En la época trovadoresca, se le conocía así al poema lírico de 4 o 5 estrofas, de 8 versos cada una.

INSTRUMENTOS MUSICALES DEL RENACIMIENTO

v  Instrumentos de cuerda: violín, laúd y arpa.

v  Instrumentos de teclado: clavicordio y órgano.

v  Instrumentos de viento: corneta, chirimía, sacabuches y bajón.
 
 
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los “Estilos Nacionales”.
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países:
 
  ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL.
Se trata de una forma de polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música “a capella”, aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.
 
 FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON.
Es una forma polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor más destacado es Clement Janequin.
 
ESPAÑA: el genero que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título “El cancionero  de Palacio”. Junto con el villancico en España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la Ensalada.
 
compositores del renacimiento

ORLANDO DI LASSO  
1532-1594 Bélgica-Francia
 
    Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el más importante compositor de la escuela franco-flamenca del siglo XVI. Se crió en la ciudad de Hainaut, siendo miembro del coro de la iglesia de San Nicolás. Siguió al virrey de Sicilia por sus viajes por Europa, quedando impresionado por el arte italiano en Milán, Sicilia y Nápoles.
    Después se afincaría en Munich como maestro de capilla del duque de Baviera, realizando frecuentes viajes a Alemania e Italia, y relacionándose con los principales personajes de la época, desde el editor Adrian Le Roy a músicos de las cortes alemanas, recibiendo condecoraciones y gratificaciones de príncipes extranjeros. Parece que conoció a Palestrina y tuvo varios discípulos, entre ellos Giovanni Gabrieli. En su juventud abundan las obras sobre textos profanos, mientras que en la madurez se vuelca hacia el estilo religioso.
    PRINCIPALES OBRAS:

·         Primer ciclo de motetes – 1556
·         Segundo ciclo de motetes – 1562
·         Bicinia – 1577
·         Psalmi David i poenitentiales – 1584
·         Tricinia – 1588
·         Cantiones sacreae sex vocum – 1594
·         Lagrime di San Pietro (edición póstuma) – 1595
·         Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) – 1600
·         Magnum opus musicum (edición póstuma) – 1604
 
                                     GIOVANNI PERLUIGI DA PALESTRINA                               
1525-1594 Italia
 
    Compositor italiano de música sacra, género para el que compuso 102 misas, unos 300 motetes y 133 madrigales con textos profanos. Fue un brillante organista que estudió con Mallapert y Lebel y quizás con Arcadelt, que impresionaría al cardenal Giovanni María del Monte, luego papa Julio III, que lo contrata como maestro de coro y a quien Palestrina dedica su primer libro de misas.
    Aunque trabaja como cantor de la capilla Sixtina, debe renunciar al puesto cuando se casa por primera vez (lo hace otra vez más y tiene hijos que serán víctimas de la peste). En 1577 el papa Gregorio XIII le encarga (junto con Aníbal Zoilo) la corrección del repertorio gregoriano.
    Su estilo es muy característico en el tratamiento de la prosodia de los textos (acomodación de sílabas a notas), siempre sujeto a su propiedad de cantable.
    PRINCIPALES OBRAS:
·         Primer libro de madrigales a cuatro voces – 1555
·         Missa Papae Marcelli – 1563
·         Repleatur os meum – 1570
·         Primera colección de madrigales espirituales – 1581
·         Cánticos de Salomón – 1583
·         Stabat Mater – 1590

 
TOMÀS LUIS DE VICTORIA
1548-1611 España
 
    Compositor español. Fue alumno de Escobedo en Segovia y luego de Morales. A los veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para ingresar como cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean para combatir el protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja como capellán cantor y después como maestro de capilla de San Apolinar.
    La viudedad de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a su servicio, primero como maestro de capilla y luego como organista del convento de las Descalzas Reales, gozando además de la protección del cardenal Michele Bonelli. Su estilo sigue fielmente las pautas de la escuela romana de Palestrina, entre el dramatismo y ascetismo. La independencia de las voces no sólo responde a planteamientos armónicos de conjunto, sino a la propia musicalidad de la música melódica.
    PRINCIPALES OBRAS:
  • Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).
  • Alma Redemptoris Mater.
  • Missa Ave Regina coelorum.
  • Missa Pange Lingua.
  • O magnum mysterium.
  • O vos omnes (motete).
  • Missa Ave María Stella.
  • Officium Hebdomadae Sanctae – 1585
  • Oficium Defunctorum – 1605

“AVE MARÍA” Misa de Josquin Desprez : https://www.youtube.com/watch?v=LUAgAF4Khmg

miércoles, 3 de junio de 2015

                                                Escuela flamenca

Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum.


 


Música renacentista italiana
La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales:
  • la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos.
  • la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Era en su mayor parte silábica y homófona, con la melodía en la voz superior, llamada música.



Música renacentista española




Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.

Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y
Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras
para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.


                           Organología 

Laúd fue un instrumento de cuerda muy utilizado entre los siglos XIV y XVIII. También designa a todo instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano paralelo a la caja a lo largo de un mástil saliente.
Tiene una tapa plana de abeto y un fondo en forma de pera, profundo y ligero, formado por estrechos gajos de madera pegados entre ellos por sus lados, y de siete a diez trastes de tripa alrededor del mástil. Tiene seis pares de cuerdas dobles que van desde las clavijas hasta el puente. John Dowland fue un compositor de este instrumento en el renacimiento.



Sacabuche es un instrumento de viento del periodo Renacentista y es antepasado del moderno trombón de varas. El sacabuche deriva de la familia medieval de las trompetas.


La Viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y proporciones más variables. Su sonoridad se sitúa entre las agudas notas del violín y el grave sonido del violonchelo y contrabajo. Es considerada como el Contralto o el Tenor Dramático de la familia de las cuerdas.



 La Trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire. La trompeta comúnmente, está afinada en si bemol es decir, un tono por debajo de la afinación real.







 El Virginal es un tipo de clave, clavicémbalo o espineta pero más pequeño, de forma diferente y con un solo teclado a lo largo del instrumento, no en un extremo. Sus cuerdas corrían paralelamente al teclado o, a veces, en diagonal. El término italiano spinetto o espineta se utiliza tanto para el virginal como para un instrumento parecido con forma de ala de pájaro.





El Clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy quedo. Este instrumento no se debe confundir con el clave, la espineta o el virginal. Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se percute la cuerda con una pequeña púa de metal insertada en el extremo contrario de la tecla.





El Cornetto es un instrumento de viento antiguo, del periodo Renacentista. El cornetto tiene la forma de un tubo, típica-mente de alrededor de 60 centímetros de longitud, hecho de madera,marfil o en el caso de algunos modelos modernos reconstruidos en ebonita, con digitación común a los instrumentos de madera.
 
 




















La chirimía es un instrumento musical de viento-madera de doble lengüeta, trabajada antiguamente de forma grosera y labrada por nueve agujeros laterales, seis únicamente, destinados a taparse por medio de los dedos, las había agudas, altas y bajas.
1._ Es el antepasado directo del oboe, y muy similar a la dulzaina. El nombre proviene del francés «chalemie», que a su vez viene del latín «calamus», caña, y este a su vez del griego «aulós kalamitēes», flauta de caña.
2._ Fue de uso común en Europa desde el siglo XIII, y llevado a las colonias hispanoamericanas a partir de finales del siglo XV.
 
 
El triángulo es un instrumento percutido de acero, perteneciente al grupo de los idiofonos, porque el sonido resultante es fruto de la vibración del metal tras ser golpeado con la baqueta.
El triángulo es una barra o estructura cilíndrica de acero doblada en forma de triángulo, como su nombre indica, con la particularidad de que uno de sus vértices queda abierto. Normalmente, el ejecutante no sostiene directamente el instrumento haciéndolo por uno de sus lados sino mediante un cordel que, atado al vértice superior, sirve para suspenderlo.
El sonido del triángulo es muy bueno agudo y de altura indefinida, lo que no significa que no genere notas determinadas. El músico puede hacer que el sonido del triángulo sea abierto o cerrado según como lo sostenga.
 


El pífano es un instrumento musical de viento consistente en una pequeña flauta muy aguda que se toca atravesada.
Parece que fueron los suizos quienes introdujeron el pífano en sus regimientos después de la batalla de Marignan (1515). Lo adoptaron posteriormente los franceses y se extendió luego por otras naciones.
Ha sido tradicionalmente un instrumento tocado en infantería acompañado por la caja. Posteriormente, su uso derivó hacia las bandas de música o charangas de los regimientos de infantería, con excepción de las compañías de alabarderos, que siguieron utilizándolo como antiguamente.
 
 
Flauta dulce
 
La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.

A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos (consorts, en inglés) también común en los instrumentos de cuerda.
 
 
 
 
Bajón
 
El bajón es un instrumento musical de viento-madera creado en el Renacimiento. Consiste en un largo tubo de madera doblado y de sección cónica, en uno de cuyos extremos se inserta un tudel de cobre de forma curva en el que a su vez se encaja una caña o lengüeta doble con la que se hace sonar .
El bajón es un instrumento musical de viento-madera creado en el Renacimiento. Consiste en un largo tubo de madera doblado y de sección cónica, en uno de cuyos extremos se inserta un tudel de cobre de forma curva en el que a su vez se encaja una caña o lengüeta doble con la que se hace sonar el instrumento. Posee agujeros y un par de llaves para facilitar la digitación.


 
órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos centímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento.
En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, también se suministra mediante compresores.